Robert Mapplethorpe: El arte del exceso

Robert Mapplethorpe. Jacinto, 1987

 

Hablar de Robert Mapplethorpe (Nueva York 1946 – New England 1989) es hablar de la belleza llevada al límite. Su arte tiene la elegancia que se encuentra con el peligro, donde el cuerpo se convierte tanto en escultura como en herida. Su visión no se conformaba con la moderación. Lo quería todo: cada textura, cada tensión, cada destello de piel capturado con la luz exacta que lo haría eterno.

 

 

Mapplethorpe dijo una vez que quería que sus fotografías fueran «tan perfectas como las esculturas de Miguel Ángel». Pero la perfección que perseguía era la perfección de la carne, del riesgo, del deseo mantenido lo suficiente como para convertirse en mito. Sus sujetos —ya sea la curva de la espalda de un hombre, la boca abierta de una cala o el destello de una cadena de plata— quedan atrapados en una extraña quietud, una especie de pausa divina entre el éxtasis y el control. Son imágenes de anhelo purificadas por la forma.

 

 

Llamarlo excesivo no es un juicio, sino una descripción de su hambre. Quería demasiada belleza, demasiada verdad, demasiada libertad. Quería ver qué pasaba cuando se despojaba al cuerpo de la vergüenza y se revelaba como arquitectura. Su estudio era una capilla del control —medidores de luz, fondos, simetría, silencio— y dentro de ese templo del orden, invitaba al caos. Los cuerpos que fotografiaba no estaban simplemente desnudos, estaban revelados. Su poder era el valor de la exposición.

 

 

Su exceso comenzaba con el cuerpo, pero no terminaba ahí. Recorría cada fibra de su visión: la forma en que exigía claridad, la forma en que sus copias brillaban como el acero, la forma en que buscaba la precisión como si fuera un acto moral. Hay algo monástico en su disciplina, algo obsesivo y puro. Incluso cuando fotografiaba una simple flor, la abordaba como si fuera una ofrenda. El tallo del tulipán se convertía en una línea de tensión; el pétalo, en un suspiro de carne. Sus flores no son inocentes: se inclinan, se abren, se rinden. Tienen el mismo pulso que sus retratos, la misma violencia susurrada.

 

 

Contemplar la obra de Mapplethorpe es ver la contradicción convertida en belleza. Encontró elegancia en lo prohibido y santidad en lo que otros llamaban profano. Los hombres de su serie S&M —atados, enmascarados, luminosos bajo la luz del estudio— no se presentan como víctimas o espectáculos, sino como iconos. Su vulnerabilidad es fuerza; su exposición, dignidad. En un mundo aterrorizado por sus propios deseos, el exceso de Mapplethorpe fue una revelación. Insistió en que lo que la sociedad oculta puede ser precisamente lo que revela sus verdades más profundas.